Penghujatan terhadap Nabi Muhammad, kita lihat memang bukan yang pertama terjadi. Jauh sebelum kasus kartun Nabi
Muhammad yang iterbitkan oleh majalah Denmark Jyllands-Posten, kartun-kartun atau lukisan tentang sosok Nabi
Muhammad juga sempat heboh di Amerika sekitar tahun 1960-an. Encyclopedia Americana edisi 1960-an pernah
memuat entri tentang Nabi Muhammad yang disertai gambar.
Penghujatan terhadap Nabi Muhammad, kita lihat memang bukan yang pertama terjadi. Jauh sebelum kasus kartun Nabi
Muhammad yang iterbitkan oleh majalah Denmark Jyllands-Posten, kartun-kartun atau lukisan tentang sosok Nabi
Muhammad juga sempat heboh di Amerika sekitar tahun 1960-an. Encyclopedia Americana edisi 1960-an pernah
memuat entri tentang Nabi Muhammad yang disertai gambar.
Celakanya, di Iran pernah juga muncul gambar Nabi Muhammad. Masyarakat Iran di samping menunjukkan rasa suka
terhadap gambar itu, mereka juga mempertanyakan keabsahannya. Sebagian menyebutkan bahwa gambar itu dilukis
oleh pendeta Buhaira yang sempat mengiringi
Nabi Muhammad saw bersama pamannya ke Syam. Tapi pada kenyataannya, banyak yang meragukan jawaban ini.
Dalam sebuah majalah yang judul aslinya The Story of Picture Shiite Depictions of Muhammad, Pierree Centlivre &
Micheline Centlivres-Demont dalam majalah ISIM Review 17, Spring 2006, hal 18-19. Syiah Iran punya pengalaman
yang cukup panjang dalam menggambarkan keluarga Nabi Muhammad saw dan Nabi sendiri. Pada akhir-akhir dekade
90 -an poster yang menggambarkan wajah Nabi Muhammad saw di cetak di Iran dan menjadi salah satu poster terlaris.
Dalam poster itu menggambarkan wajah masa muda dari Nabi Muhammad saw.
Poster tersebut dicetak dengan mempergunakan teknologi modern dengan alat dan teknik yang beragam. Sekalipun
demikian, struktur gambar masih mempertahankan gaya tradisionalnya. Warna yang dipakai masih mempertahankan
kesederhanaan. Namun, tetap saja memiliki kelebihan yang membedakannya secara mudah dari gambar yang lain
Selengkapnya...

The artistic genius of Pablo Picasso (1881–1973) has impacted the development of modern and contemporary art with unparalleled magnitude. His prolific output includes over 20,000 paintings, prints, drawings, sculptures, ceramics, theater sets and costumes that convey a myriad of intellectual, political, social, and amorous messages. His creative styles transcend realism and abstraction, Cubism, Neoclassicism, Surrealism, and Expressionism. Born in Malaga, Spain, in 1881, Picasso studied art briefly in Madrid in 1897, then in Barcelona in 1899, where he became closely associated with a group of modernist poets, writers, and artists who gathered at the café Els Quatre Gats (The Four Cats), including the Catalan Carlos Casagemas (1880–1901).

Living intermittently in Paris and Spain until 1904, his work during these years suggests feelings of desolation and darkness inspired in part by the suicide of his friend Casagemas. Picasso's paintings from late 1901 to about the middle of 1904, referred to as his Blue Period, depict themes of poverty, loneliness, and despair. In The Blind Man's Meal (50.188) from 1903, he uses a dismal range of blues to sensitively render a lonely figure encumbered by his condition as he holds a crust of bread in one hand and awkwardly grasps for a pitcher with the other. The elongated, corkscrew bodies of El Greco (1541–1614) inspire the man's distorted features.

Picasso moved to Paris in 1904 and settled in the artist quarter Bateau-Lavoir, where he lived among bohemian poets and writers such as Guillaume Apollinaire (1880–1918) and Max Jacob (1876–1944). In At the Lapin Agile (1992.391) from 1905, Picasso directs his attention toward more pleasant themes such as carnival performers, harlequins, and clowns. In this painting, he uses his own image for the harlequin figure and abandons the daunting blues in favor of vivid hues, red for example, to celebrate the lives of circus performers (categorically labeled his Rose Period). In Paris, he found dedicated patrons in American siblings Gertrude (1874–1946) and Leo (1872–1947) Stein, whose Saturday evening salons in their home at 27, rue des Fleurus was an incubator for modern artistic and intellectual thought. At the Steins he met other artists living and working in the city—generally referred to as the "School of Paris"—such as Henri Matisse (1869–1954). Painted in 1906, Gertrude Stein (47.106) records Picasso's early stylistic experiments with primitivism influenced by a new fascination with pre-Roman Iberian sculpture and African and Oceanic art. Concentrating on intuition rather than strict observation, and unsatisfied with the features of Stein's face, Picasso reworked her image into a masklike manifestation stimulated by primitivism. The influence of African and Oceanic art is explicit in his masterpiece Les Demoiselles d'Avignon (1907; Museum of Modern Art, New York), a painting that signals the nascent stages of Cubism. Here the figure arrangement recalls Cézanne's compositions of bathers while stylistically it is influenced by primitivism, evident by the angular planes and well-defined contours that create an overall sculptural solidity in the figures.

The basic principles of Analytic Cubism (1910–12), with its fragmentation of three-dimensional forms on a two-dimensional picture plane, are embodied in Still Life with a Bottle of Rum (1999.363.63), painted in 1911. The techniques of Analytic Cubism were developed by Picasso and the French artist Georges Braque (1882–1963), who met in 1907. Picasso's Bottle and Wine Glass on a Table (49.70.33) of 1912 is an early example of Synthetic Cubism (1912–13), a papier collé in which he pasted newsprint and colored paper onto canvas. Picasso and Braque also included tactile components such as cloth in their Synthetic Cubist works, and sometimes used trompe-l'oeil effects to create the illusion of real objects and textures, such as the grain of wood.

After World War I (1914–18), Picasso reverted to traditional styles, experimenting less with Cubism. In the early 1920s, he devised a unique variant of classicism using mythological images such as centaurs, minotaurs, nymphs, and fauns inspired by the classical world of Italy. Within this renewed expression, referred to as his Neoclassical Period, he created pictures dedicated to motherhood inspired by the birth of his son Paulo in 1921 (his first of four children by three women). Woman in White (53.140.4) of 1923 shows a woman clothed in a classic, toga-like, white dress resting calmly in a contemplative pose with tousled hair, eliciting a tender lyricism and calming spirit of maternity. Toward the end of the 1920s, Picasso drew on Surrealist imagery and techniques to make pictures of morphed and distorted figures. In Nude Standing by the Sea (1996.403.4) of 1929, Picasso's figure recounts the classical pose of a standing nude with her arms upraised, but her body is swollen and monstrously rearranged.

By the early 1930s, Picasso had turned to harmonious colors and sinuous contours that evoke an overall biomorphic sensuality. He painted scenes of women with drooping heads and striking voluptuousness with a renewed sense of optimism and liberty, probably inspired by his affair with a young woman (one of Picasso's numerous mistresses) named Marie-Thérèse Walter (1909–1977). Girl Reading at a Table (1996.403.1) from 1934 uses these expressive qualities of bold colors and gentle curves to portray Marie-Thérèse seated at an oversized table, emphasizing her youth and innocence.

Although still living in France in the 1930s, Picasso was deeply distraught over the outbreak of the Spanish Civil War in 1936. He reacted with a powerfully emotive series of pictures, such as The Dream and Lie of Franco (1986.1224.1[2]), that culminated in the enormous mural Guernica (1937; Reina Sofía National Museum, Madrid), painted in a grisaille palette of gray tones. This painting, Picasso's contribution to the Spanish Pavilion in the 1937 Exposition Universelle in Paris, is a complex work of horrifying proportion with layers of antiwar symbolism protesting the fascist coup led by Generalissimo Francisco Franco.

From the late 1940s through the '60s, Picasso's creative energy never waned. Living in the south of France, he continued to paint, make ceramics, and experiment with printmaking. His international fame increased with large exhibitions in London, Venice, and Paris, as well as retrospectives in Tokyo in 1951, and Lyon, Rome, Milan, and São Paulo in 1953. A retrospective in New York at the Museum of Modern Art in 1957 garnered a massive amount of attention, with over 100,000 visitors during the first month. This exhibition solidified Picasso's prominence as museums and private collectors in America, Europe, and Japan vied to acquire his works.

In Faun and Starry Night (1970.305) from 1955, Picasso returned to the mythological themes explored in early pictures. Again, incorporating life experience into his painting, he evokes his infatuation with a new love, a young woman named Jacqueline Roque (1927–1986), who became his second wife in 1961 when the artist was seventy-nine years old. In this painting, Picasso symbolizes himself as a faun, calmly and coolly gazing with mature confidence and wisdom at a nymph who blows her instrument to the stars. The picture embraces his spellbound love for Jacqueline.

Even into his eighties and nineties, Picasso produced an enormous number of works and reaped the financial benefits of his success, amassing a personal fortune and a superb collection of his own art, as well as work by other artists. He died in 1973, leaving an artistic legacy that continues to resonate today throughout the world.

- Head from the figure of a woman, ca. 2700–2500 b.c.; Early Cycladic I–II

- Lady in Green, 1901

James Voorhies
Department of European Paintings, The Metropolitan Museum of Art Selengkapnya...

98 PABLO PICASSO 1881-1973
oleh Michael H. Hart

Pelukis senantiasa bergumul dengan pertanyaan umum apa sebetulnya maksud serta tujuan seni itu. Buat apa sih? Apa tanpa seni orang lantas jadi bangkai? Atau ompong? Tetapi sejak penemuan fotografi, masalahnya jadi lebih jelas dan lebih urgen. Jelasnya, tujuan pelukis bukan sekedar menjiplak pemandangan alam. Sepintar-pintar pelukis seperti apa pun tidak bakalan bisa menandingi potret, baik bagusnya maupun murahnya. Karena itu, lebih dari seabad serentetan percobaan sudah dirintis orang untuk menegaskan fungsi dan daya jangkau sesuatu lukisan. Dalam gerakan ini, orang yang paling berani, paling inovatif, yang melepaskan diri jauh-jauh dari semata-mata seni yang biasa-biasa itu, dan yang dengan sendirinya paling berpengaruh, adalah Pablo Picasso.

Gaya seni Picasso dikagumi karena imaginasinya, vitalitasnya dan kepekaannya terhadap dunia luar. Picasso merupakan tokoh sentral dalam perkembangan "Kubisme," dan dia juga ternama karena kebrilianan otak serta kemampuan tekniknya. Umumnya dia diakui selaku tokoh utama dalam seni modern dan salah seorang yang paling suka kepada hal-hal baru dari semua seniman di sepanjang jaman.

Picasso punya kemampuan sempuma dalam hal lukisan gambar realistis. bila dia merasa perlu seperti itu; tetapi, lebih kerap lagi dia memilih mengacak-acak serta mengubah-ubah wajah sesuatu obyek. Pernah suatu waktu dia berkata. "Bila kumau melukis cangkir, akan kutunjukkan padamu bahwa bentuknya bundar; tetapi itu sesuatu irama umum dan konstruksi lukisan memaksa aku menunjukkan bawa yang namanya bundar itu sebagai suatu yang persegi."

Pablo Ruiz Y Picasso dilahirkan tahun 1881 di kota Malaga, Spanyol. Ayahnya seniman dan guru kesenian. Bakat Pablo muncul dalam usia muda sekali dan dia sudah jadi pelukis jempolan pada umur belasan tahun. Tahun 1904 dia menetap di Paris dan untuk selanjutnya tinggal di Perancis.

Lukisan Picasso "Gadis di Depan Cermin" merevolusionerkan perspektip penanganan seni modern. (Ukuran 64 x 51 1/4) cat minyak; koleksi Museum Seni, New York, hadiah Ny. Simon Guggenheim.

Picasso betul-betul seorang seniman yang teramat produktif. Selama kehidupannya selaku seniman yang luar biasa panjang itu --sekitar masa waktu tiga perempat abad-- dia sudah mencipta lebih dari 20.000 hasil seni yang terpisah-pisah satu sama lain, rata-rata lebih dari 5 karya dalam seminggu yang berlangsung selama 75 tahun! Sebagian terbesar dari waktu itu, karyanya selalu berdiri paling depan dalam hal harga tinggi, karena itu Picasso menjadi orang yang amat kaya raya. Dia meninggal dunia di kota Mougins, Perancis, tahun 1973.

Pokoknya, Picasso tak syak lagi seorang seniman serba bisa yang jarang tolok bandingnya. Kendati sebutan utamanya seorang pelukis, dia juga banyak melakukan karya pahat. Tambahan lagi, dia perancang panggung ballet; dia bergumul dengan seni bikin pot, meninggalkan sejumlah besar karya lithografi, lukisan melalui garis-garis dengan menggunakan pensil atau kapur tulis dari banyak cabang seni lainnya.

Tetapi seperti sementara seniman-seniman, Picasso juga tertarik dengan sungguh-sungguh pada masalah politik. Nyatanya, lukisan masyhurnya "Guernica" (1937), diilhami oleh kejadian-kejadian dalam perang saudara Spanyol. Beberapa hasil karya lainnya pun punya arti penting politis.

Banyak seniman-seniman masyhur ditandai oleh satu macam gaya dasar. Tidaklah demikian Picasso. Dia menampilkan ruang luas dari pelbagai gaya yang mencengangkan. Kritikus-kritikus seni memberi julukan seperti "periode biru," "periode merah muda," "periode neo-klasik" dan sebagainya. Dia merupakan salah satu dari cikal bakal "Kubisme," Dia kadang ikut serta, kadang menentang perkembangan-perkembangan baru dalam dunia lukis-melukis modern. Mungkin tak ada pelukis dalam sejarah yang sanggup melakukan karya dengan kualitas begitu tinggi dengan lewat begitu banyak gaya dan cara.

Tidak semua aliran seni punya pengaruh berjangka panjang. Meskipun Picasso disanjung-sanjung di abad ke-20, layak dipertanyakan apakah di abad-abad depan kelak penyanjungan itu masih bisa terjadi, ataukah pengaruhnya akan segera musnah dalam waktu tak lama lagi. Sudah jelas, tak ada jaminan yang meyakinkan untuk menjawab pertanyaan macam itu. Tetapi, kata sepakat dari para kritikus seni kontemporer mengatakan bahwa pengaruh Picasso akan tetap punya bobot penting di masa-masa mendatang. Walaupun jelas, kita tidak bisa memastikan kelanjutan dari bobot penting Pablo Picasso seperti bisa kita lakukan terhadap seniman-seniman yang sudah teruji oleh sang waktu.

sumber : http://media.isnet.org

Selengkapnya...

The Anatomy Lecture of Dr. Nicholaes Tulp
Rembrandt van Rijn (Dutch, 1606-1669)
1632, Oil and Canvas, 169.5 cm by 216.5 cm
Mauritshuis, The Hague, Netherlands

Teknik lukisan cat minyak, sangat banyak macamnya. Opaque dan impasto, teknik cat minyak yang sudah banyak dikenal. Teknik melukis cat minyak lainnya, adalah teknik campuran (mixed technique) yang dikembangkan sendiri oleh setiap pelukis. Teknik campur ini, lazimnya menggunakan lebih dari satu media, kombinasi beberapa bahan lukisan. Dalam tulisan ini, yang dimaksud dengan teknik campur adalah teknik melukis dengan berbagai cara yang tidak konvensional, namun tetap dengan media cat minyak saja. Teknik melukis setiap pelukis menunjukkan kreatifitas dan ciri khas, selalu berbeda antara pelukis yang satu dengan lainnya. Teknik melukis Affandi dengan Rembrandt sangat berbeda satu sama lain. Persamaannya, lukisan-lukisan ke dua pelukis tersebut menunjukkan pencapaian puncak artistiknya. Teknik lukisan pelukis Affandi, teknik campuran (mixed technique) sedangkan pelukis Rembrandt menggunakan teknik bold impasto. Teknik Lukisan Affandi Pelukis Affandi (1907-1990) melukis dengan cara cukup unik. Dia membasahi permukaan kanvas dengan minyak cat. Warna-warna cat ditorehkan langsung dari tube ke permukaan kanvas. Affandi juga menggunakan jari dan tangan untuk mengusap dan menggoreskan cat pada kanvas. Percampuran warna juga dilakukan pada permukaan kanvas. Lelehan, cipratan dan goresan warna-warna cat pada permukaan kanvas basah menghasilkan efek-efek artistik yang sangat ekspresif. Lukisan-lukisan Affandi diciptakan secara langsung di depan objek yang dilukisnya. Affandi membutuhkan waktu lama untuk memahami dan menghayati objek yang akan dilukis, namun untuk melukiskannya dia tidak membutuhkan waktu lama, hingga berhari-hari. Dia menyelesaikan setiap lukisan pada saat melukis di depan objeknya sampai selesai. Teknik campuran yang dikembangkan Affandi, menghasilkan efek-efek nyeni yang sangat menarik. Setiap objek yang dia lukis mengekspresikan garis-garis meliuk, nuansa warna dari gelap ke terang, dan kontras warna yang terorganisir dengan baik. Putih kanvas, warna kuning terang, dan warna-warna oker, coklat, hijau, biru, merah dan sebagainya dikombinasikan dengan sangat indah. Warna terang dengan warna gelap menghasilkan komposisi kontras namun artistik. Lukisan-lukisan diciptakan dengan teknik ini cenderung agak mengabaikan detil objek yang dilukis, namun mampu menyampaikan ekspresi estetik pelukisnya secara total. Lukisan berjudul Raka dan Saya, Andong (1965), dan Kwan Kong, beberapa lukisan Affandi yang menunjukkan betapa dahsyatnya ekspresi seninya. Objek-objek lukisan Affandi antara lain tentang kehidupan manusia sehari-hari seperti suasana pasar, kehidupan nelayan, keindahan pemandangan, bangunan-bangunan unik, kehidupan satwa dan juga tentang fauna. Selain itu, pelukis ini juga melukis tema-tema religi. Affandi juga sangat banyak melukis wajah dirinya. Salah satu ciri khas lain dari pelukis ini adalah hampir semua lukisannya ada gambar matahari. Teknik Lukisan Rembrandt Berbeda dengan teknik lukisan Affandi, Rembrand (1606-1669), melukis dengan teknik bold impasto. Teknik lukisan ini dikerjakan dengan sapuan warna cat berkali-kali, sehingga menjadi tebal. Selain Rembrandt, pelukis Vincent van Gogh juga dikenal sangat piawai dengan teknik ini. Teknik ini menciptakan kesan artistik berupa tekstur lembut khas. Selain itu, pada lukisan Rembrandt, teknik lukisan ini menjadi sangat menarik, karena mampu dimanfaatkan untuk menciptakan kesan gelap terang lukisan (chiaroscuro) secara maksimal. Cahaya yang terpantul dari objek yang dilukis yang diciptakan melalui teknik ini membawa pemirsa memusatkan perhatiannya pada lukisan. Lukisan Rembrandt tampak sangat nyeni dan khas dengan teknik ini. Efek-efek artistik seperti ini tidak pernah diciptakan pelukis lain sebelumnya. Dengan teknik ini, Rembrandt sangat ahli memainkan kontras warna. Pantulan-pantulan cahaya pada objek lukisan dikontraskan dengan latar belakang lukisan, sehingga objek lukisan tampak menonjol dan menarik perhatian. Pelukis ini juga sangat jeli dalam menggarap detil, satu titik putih yang sangat kecil dari pantulan objek lukisan pun tidak luput dari perhatiannya. Umumnya warna-warna kontras dihindari pelukis, namun Rembrandt justru sebaliknya. Rembrandt mampu memanfaatkan efek-efek kontras warna dan mengolah kekontrasan itu secara artistik. Berbeda dengan teknik melukis Affandi yang dilakukan secara sepontan dan intuitif, teknik melukis bold impasto dibuat dengan cara betahap. Pertama sketsa gambar dibuat pada permukaan kanvas. Sketsa gambar kemudian diwarnai dengan warna-warna sesuai pada objek lukisan, secara garis besarnya saja, tidak secar detil, untuk membedakan bagian gelap dan terang. Setelah seluruh permukaan diwarnai, tahap selanjutnya detil lukisan dibuat secara teliti. Teknik bold impasto Rembrandt menunjukkan, dia pelukis yang bekerja dengan cara-cara terencana. Dia menciptakan lukisan dengan tahapan-tahapan sangat jelas. Cara kerjanya menunjukkan, dia seorang pelukis yang sangat ahli dan bekerja terstruktur dan terorganisir. Lukisan-lukisan Rembrandt menunjukkan kejeliannya dalam mengamati objek lukisan. Perbedaan sekecil apapun tidak terlepas dari perhatiannya. Lukisan berjudul Self Portrait (1661), The Night Watch (1642), The Anatomy Lesson of Dr. Tulp (1632), beberapa lukisan Rembrandt menunjukkan kehebatannya. Seperti pelukis Affandi, pelukis Rembrandt juga banyak melukis wajah dirinya. Tema-tema lukisannya juga kebanyakan manusia dalam aktivitas sehari-hari. Tema lainnya adalah kisah dari Kitab Suci dan wanita-wanita cantik. Antara Affandi dan Rembrandt Teknik kedua pelukis ini sangat berbeda, pada proses melukisnya maupun hasil ekspresi artistiknya. Affandi menghasilkan lukisan ekspresif dahsyat, sedangkan Rembrandt hebat dalam membuat pusat perhatian lukisan dengan efek gelap terang (chiaroscuro) yang sangat khas. Persamaannya, ke dua pelukis ini sama-sama banyak menggambar wajah dirinya. Lukisan potret diri mereka cukup banyak. Ke dua pelukis ini juga banyak melukis objek manusia dengan segala aktivitasnya, juga hal-hal yang berkaitan dengan religi.




Oleh Dr. Agus Priyatno, M.Sn
sumber : harian analisa Selengkapnya...

SANG KEKASIH -- Salah satu lukisan yang diyakini menggambarkan kekasih Rembrandt, Hendrickje Stoffels. Bulan Juli 1654 ia diadili oleh sidang gereja yang sangat keras di dalam moral, yang memutuskan ia bersalah telah hidup bersama dengan Rembrandt tanpa ikatan resmi.


PELUKIS dan modelnya selalu menyimpan cerita menarik. Bayangkan kisah hebat antara Raphael dan La Fornarina, Rubens dan Helene Fourment, atau Manet dan Nina Villard-- untuk menyebut beberapa nama tenar di dalam khasanah seni rupa Eropa. Khalayak seni Indonesia membayangkan kisah menarik tersebut di dalam kehidupan Basoeki Abdullah atau Dullah serta sejumlah besar nama lain.

PARA model ini memainkan bermacam peran di dalam hidup si seniman. Ada yang menjadi obyek nafsu birahi si seniman, tapi ada juga yang menjadi pendorongnya untuk merenung. Ada yang sesungguhnya sekaligus pelindung di dalam profesi pelukis. Ada pula ibu dari si artis --Rembrant atau empu seni Indonesia Affandi berkali-kali melukis ibu mereka.

Beberapa di antara model ini di dalam kehidupan sesungguhnya adalah kekasih dan istri. Dalam kasus Indonesia tercatat kisah memikat antara pelukis Le Mayeur dan Ni Polok atau pelukis Sudjojono dan penyanyi seriosa Rose Pandanwangi. Sebagian di antaranya adalah gundik, ada juga yang memang perempuan penggoda.

Sudah tentu yang sangat menarik adalah dugaan tentang hubungan yang lebih lekat, akrab, atau hangat, daripada cerita datar yang wajar. Apalagi kalau diketahui ada karya-karya lukis yang menampilkan modelnya dalam pose telanjang, yang dengan gampang menyulut gosip bahwa lakon yang mendebarkan telah terjadi di antara mereka. Dugaan itu terkadang berkembang menjadi sangat liar, dan bisa merupakan buah bibir pada masanya di kalangan tertentu.

Hal-hal semacam itulah yang terbayang ketika mengunjungi sebuah pameran karya-karya Rembrandt di Edinburgh, Inggris. Maklumlah, pameran yang berlangsung sepanjang Agustus sampai awal September 2001 ini khusus menampilkan karya-karyanya tentang perempuan.

Judulnya pun memikat, Rembrandt's Women atau Para Perempuan Rembrandt. Daya pikatnya memang tinggi sehingga antrean panjang selalu tampak dari hari ke hari di tempat pamerannya, National Gallery of Scotland, di arah jantung kota kawasan Skotlandia yang berpemandangan indah tersebut. Banyak di antara mereka bersedia menunggu di sana lebih setengah jam sebelum pintu dibuka.

Karya-karya di dalam pameran Rembrandt's Women ini berasal dari sedikitnya 40 museum, galeri, dan koleksi pribadi di seluruh Eropa maupun Amerika. Sebanyak 27 lukisan cat minyak, beserta 48 etsa, dan 44 gambar (drawing), dipajang dengan urutan begitu rupa untuk memudahkan pengunjung mengamati perkembangannya secara kronologis.

Ada sejumlah gambar yang menunjukkan tahap-tahap penelitiannya akan tubuh perempuan, terkadang penuh seperti misalnya Diana at her Bath (1630) untuk menyebut salah satu contoh. Tak jarang ia menampilkannya hanya sebagian seperti dalam A Study of a Woman's Leg (1628). Terkadang ia menampilkan sosok perempuan yang ditonjolkan khusus bagian belakangnya saja, seperti dalam A Study of Female Nude Seen from the Back (1630).

Gambar Diana yang dikerjakan Tahun 1630 itu, diyakini sebagai karya pertama yang menampilkan sosok perempuan telanjang secara utuh. Ini merupakan bagian dari studinya yang ia persiapkan dan kemudian menghasilkan karya etsa. Tahun 1631 ia memang mengerjakan tema tersebut dalam karya etsa dengan judul sama maupun dalam judul A Seated Female Nude.

Dalam kaitan perkembangan keseniannya, tentu juga studinya tentang anatomi, proporsi maupun kelenturan, terus ia lakukan. Demikian juga dengan penggarapan unsur cahaya dan bayangan yang menjadi salah satu cirinya yang paling kuat-- dalam dunia seni rupa ia memang dikenal sebagai empu perihal chiaroscuro tersebut.

Diana yang sepenuhnya telanjang di kamar mandi itu muncul di dalam seni gambar dengan goresan kapur hitam yang diguyur pewarnaan lewat sapuan warna coklat terang. Tampak dari samping kanan tubuhnya dengan kepala menengok ke arah si pelukis, dalam gambar yang berukuran 18,1 cm x 16,4 cm itu.

Dalam karya etsanya yang muncul satu tahun kemudian berukuran 17,8 cm x 15,9 cm, kepiawaian Rembrandt tampak di dalam goresannya yang sangat lembut ketika membuat kesan volume tubuh perempuan yang sama, juga dan terutama pada latarnya. Kelembutan garis yang membentuk berkas-berkas bidang bervolume itu sekaligus memberi kesan tangkapan cahaya. Hal serupa tampil di dalam A Seated Female Nude pada tahun yang sama, di dalam karya etsa berukuran 17,7 cm x 16 cm.

Tokoh Diana di kamar mandinya tersebut mungkin yang kemudian juga muncul di dalam karya cat minyaknya yang ia buat tahun 1636, Susanna. Dalam ukuran bidang gambar 47,2 cm x 38,6 cm sosok perempuan itu muncul lewat tekniknya yang sudah lebih lanjut dengan balutan cahaya lembut. Penampilannya kontras benar dengan latar gelap yang samar memunculkan bentuk taman dan batas bangunan di sekitar.

Rembrant tidak melepaskan tokoh ini, yang kemudian muncul lagi di dalam sebuah lukisan cat minyaknya, Susanna and the Elders (1647). Seperti di dalam karya-karyanya pada masa kematangannya ini, lukisan ini juga menunjukkan keahliannya di dalam pencahayaan sesudah rampung di dalam perkara-perkara rinci anatomi, lipatan kain, maupun pengenalan mendalam berbagai watak benda maupun unsur nyata lainnya.

SIAPAKAH mereka ini, yang berpose telanjang di depan Rembrandt Harmenszoon van Rijn, nama lengkap sang pelukis, untuk ia abadikan di alas kertas atau kanvas-kanvasnya? Para pelacur, seperti telah menjadi anggapan umum para peneliti seni terhadap dunia seni rupa Eropa abad 17?

Banyak yang yakin bahwa seorang kekasihnya, Hendrickje, memang melorotkan pakaiannya untuk diabadikan sang seniman ke atas kanvas, seperti misalnya untuk Bathsheba (1654). Model yang sama diyakini tampil untuk gambarnya berjudul Rembrandt's Studio with a Model (1654), yang memanfaatkan tinta kecoklatan dalam sapuan warna putih.

ISTRI -- Lukisan Rembrandt tahun 1633 yang diyakini menampilan istrinya Saskia van Uylenburgh. Pasangan ini dianugerahi empat anak, tiga diantaranya meninggal dunia di usia dini. Saskia meninggal ketika anak keempat baru berumur satu tahun, dan membuat seorang pengasuh anak, Geertje Dircks, masuk di dalam kehidupan asmara Rembrandt.


Tak ada satu pun peneliti, seperti diungkap oleh Julia Lloyd Williams di dalam katalog pengantar pameran ini, yang menyebut bahwa isterinya Saskia-lah yang menjadi model telanjang di dalam Diana at her Bath tersebut.

Di dalam tulisan-tulisan lepas seperti di koran-koran setempat yang menilik secara sekilas pameran ini, seorang dua pengulas yakin bahwa Rembrandt mengembangkan sikapnya sendiri terhadap modelnya.

Boleh jadi untuk menggambarkan Diana ia "meminjam" pengenalannya yang sangat rinci atas tubuh istrinya Saskia. Sebagai istri dalam perkawinan terhormat, tentu sulit membayangkan ia sengaja berpose telanjang untuk sebuah lukisan yang kelak dipandangi orang banyak.

Beberapa penulis menganggap ia ahli juga di dalam menghasilkan wajah baru rekaannya, hasil dari proses mematut-matut berbagai wajah perempuan yang pernah ia lukis. Kemungkinan seperti inilah yang dibayangkan oleh beberapa peneliti karya-karyanya.

Dengan kata lain, belum tentu tokoh yang hadir di dalam karya-karyanya adalah orang-orang yang nyata sebagai pribadi, tapi pasti mereka berasal dari paduan watak-watak yang ia kenal betul. Selain itu, pengalamannya sangat panjang di dalam memenuhi pesanan melukis potret-- banyak di antaranya perempuan, dan berasal dari kalangan berduit-- ikut memperkaya pengalaman tersebut.

Modalnya mengenal sejumlah besar wajah perempuan itulah tampaknya yang ia gunakan untuk menggambarkan sejumlah adegan dari cerita kitab suci. Untuk ini, ia antara lain dikecam karena dianggap tidak memanfaatkan kecantikan ideal bergaya Venus seperti dilakukan banyak seniman lain di dalam menggambarkan perkara-perkara yang berkait dengan dunia spiritual tersebut. Rembrandt, seperti kata Andries Pels, seorang penyair asal Belanda, justru cenderung memilih kesan buruk atau sosok perempuan petani.

SENIMAN besar kelahiran Leiden 15 Juni 1606, anak kelima dari bersaudara, ini belajar melukis formal selama tiga tahun pada Jacob van Swanenburgh di Leiden, kemudian sekitar enam bulan belajar pada Pieter Lastman di Amsterdam.

Seperti banyak artis lain, Rembrandt juga melukis ibunya, Neeltgen Willemsdr. Beberapa karyanya berupa gambar dan etsa tampil di dalam pameran itu, menyusul di sampingnya lukisan cat minyak dengan tokoh yang sama. Kerutan di wajah sang ibu-- bayangkan juga pencapaian seniman hebat kita Affandi di dalam perkara serupa-- muncul juga ketika ia melukiskan beberapa perempuan tua tahun-tahun kemudian.

Pameran dengan kurasi yang bersungguh-sungguh, lewat penelitian bertahun-tahun seperti ini-- dan organisasi serta dana mencukupi-- mungkin masih impian bagi Indonesia. Namun, semangat dan profesionalismenya mestinya bisa kita acu. (efix)

sumber : Kompas Selengkapnya...